NOTICIA DEL MARTES 24/01/2017

Las 20 fotografías más espectaculares tomadas con drones

Una recopilación de algunas de las mejores imágenes de 2016 capturadas desde aviones no tripulados y seleccionadas por Dronestagram, la mayor red social del mundo de este sector.

FUENTE: http://elpais.com/elpais/2017/01/12/album/1484224473_929977.html#1484224473_929977_1484243242

NOTICIA DEL LUNES 23/01/2017

Los lectores comparten sus mejores fotos del verano con #elpaísverano

Compartir las largas tardes de sol y playa, las fotos de las comidas familiares en una terraza con vistas al mar o los pequeños ratos de relax que se suceden en vacaciones ahora es mucho más sencillo. La omnipresencia de las cámaras de los móviles o las tablets ha hecho posible que todo el mundo inmortalice cada segundo y cualquier lugar durante sus días de descanso. Aprovechando esta afición, desde EL PAÍS hemos puesto en marcha un concurso dentro de nuestra Revista de Verano para que los lectores pueden publicar con nosotros sus mejores imágenes de las vacaciones.

Cada 15 días propondremos un tema con la etiqueta #elpaísverano, a través del cual los lectores podrán compartir en Instagram o Twitter una fotografía relacionada con nuestra propuesta. Si este verano para ti es urbano porque te toca trabajar o por cualquier otro motivo, también te invitamos a que difundas imágenes de tu día a día, siempre acompañadas de la etiqueta correspondiente y, si puede ser, geolocalizadas.

Un responsable de la sección de Fotografía de EL PAÍS y de las redes sociales del diario seleccionarán las mejores instantáneas. Las elegidas se publicarán en la cuentas de Instagram, Twitter y Facebook del periódico. A su vez, las mejores instantáneas se agruparán en una fotogalería que también se difundirá por los canales de distribución del periódico.

FUENTE: http://elpais.com/elpais/2016/07/19/actualidad/1468931091_724703.html

NOTICIA DEL SABADO 21/01/2017

Fotografías increíbles del lugar donde la evolución se hizo cargo

Supongamos por un momento que existe un planeta similar al nuestro allá afuera, y veamos cómo se desarrollaría la naturaleza sin la presencia de ningún ser humano o animal común. Quizás pensemos en una tierra desolada y solitaria, pero el resultado es mucho más sorprendente de lo que te imaginas.

Nuestra influencia en la Tierra no es únicamente lo que muestran los grandes rascacielos y ciudades, se extiende a mayores planos hasta abarcar la naturaleza y su curso evolutivo. Aunque tengamos alguna idea relativa del daño que hemos causado a nuestro hogar, nunca se nos ocurriría pensar que las modificaciones llegarían a cambiar al mundo como lo percibimos.

 Si la ciencia ficción puede mostrarnos mundos alienígenas, resulta extraño pensar que en nuestro planeta hay un lugar en particular que posee todas las similitudes. Y además de mostrarnos una realidad paralela, nos muestra lo intrigante que sería la naturaleza sin nosotros.

En la costa de Yemen se encuentra la isla de Socotra, una masa de tierra desligada de cualquier continente desde hace seis millones de años. Representando la experiencia más cercana que cualquiera de nosotros tendrá de visitar u observar un mundo ajeno a nosotros y a cualquier especie común de las masas de tierra continentales.

Además de poseer 700 especies únicas en todo el mundo y ser una de las masas de tierra más aislada de todo contacto humano, la isla es un ejemplo de lo que ocurriría si la evolución siguiese su curso sin interferencia humana. Considerar que de esta forma sería nuestro planeta si el curso de la naturaleza hubiese seguido su rumbo, crea una nueva visión del lugar que todos pensábamos conocer tan bien.

A continuación se muestran una serie de fotografías increíbles, que pintan un paisaje lleno de variedades nunca antes vistas, y donde lo extrañamente hermoso toma la batuta.

FUENTE: https://hipertextual.com/2016/12/fotografias-increibles-isla-aislada

NOTICIA DEL VIERNES 20/01/2017

El 2016 en Latinoamérica ilustrado con las imágenes más asombrosas

La fotografía es ideal para retratar momentos históricos, sucesos que deben ser inmortalizados por interés histórico y humanista. Estos acontecimientos suelen darse en ambientes conflictivos, como siempre lo ha sido Latinoamérica.

En el dos mil dieciséis se exacerbó el continente entero. Bajos precios del petróleo, "Impeachment" en Brasil, acuerdo de paz en Colombia, la victoria de Donald Trump, la mejoría de relaciones entre Estados Unidos y Cuba, etc. Los instantes más significativos fueron capturados por los magníficos fotógrafos de Associated Press. A continuación les presentamos los mejores ejemplares.

Dos hombres se abrazan durante la celebración "Careta" en Triunfo, Brasil.

FUENTE: https://hipertextual.com/2016/12/2016-latinoamerica-imagenes-asombrosas

NOTICIA DEL JUEVES 19/01/2017

Señoras (bien) de China

En 2012, a bordo de la nave Shenzhou 9, una mujer china salió por primera vez al espacio exterior. El nombre de esta primera astronauta que despegó del gigante asiático es Liu Yan. La tenista Li Na ganó el torneo de Roland Garros en 2011 y el Open de Australia en 2014. Fu Ying es la primera embajadora de una etnia minoritaria en China y forma parte del 24% del cuerpo de funcionarios de aquel país formado por mujeres. Ellas son algunas de las protagonistas de la exposición La mujer moderna en China, que la Asociación Nacional de Fotógrafos de China (CPA) presenta en la Fundación Pons (Serrano, 138; hasta el sábado), con el apoyo de la Real Sociedad Fotográfica.

La exposición prefiere centrarse en los avances feministas de esa sociedad con información de interés. También es de valorar el empeño de la asociación —formada por 21.000 miembros procedentes de 60 asociaciones fotográficas de todo el país— en difundir los progresos de la mujer en diferentes ámbitos de la vida profesional, política, deportiva o cultural. “Es una exposición que ha pasado por varios países tratando de difundir esos progresos. Son fotos donde conviven además los aspectos más tradicionales de la sociedad china con las características propias de la vida actual”, opina María Jesús Magro, directora de la Fundación Pons. De la ceremonia del té a la penetración de la telefonía móvil.

Las imágenes transitan entre las piezas más puramente documentales y aquellas que persiguen fines más estéticos, con un delicado gusto oriental. Pero todas cuentan historias: las de las mujeres médico, que suponen la mitad de los médicos colegiados; la del creciente número de féminas trabajando como agentes de movilidad; o la de creciente proporción de profesoras en la enseñanza primaria y secundaria, que ya ha alcanzado el 53%. También la de la multitud de obreras en las fábricas chinas, que inundan el mundo con sus productos, o la buena noticia de la reducción de la tasa de mortalidad infantil hasta un 9,5%, ahora más cercana a la de los países más avanzados.

Entre las imágenes más sugerentes se encuentra El olor del campo, de Tang Daihong, que muestra una onírica estampa rural de la soja secando en un pintoresco pueblo de piedra con un mar de montañas al fondo. O Melodía del Taichi, de Lu Ruisheng, que muestra a una mujer practicando este milenario y sereno arte marcial que, según la doctrina taoísta, integra a las personas con los ritmos del universo. O la muy pictórica Regresando de la pesca al atardecer, de Zhang Minghua, en la que unas pescadoras regresan de su faena por la playa húmeda bajo un violento cielo morado y naranja, incendiado, tal vez, por secretos dragones más allá del horizonte.

FUENTE: http://ccaa.elpais.com/ccaa/2017/01/11/madrid/1484155236_858619.html

NOTICIA DEL MIERCOLES 18/01/2017

La historia de un hombre con linterna

Alepo. Cada día una masacre. Cada día heridos, más heridos. Y muertos, más muertos. Centenares de ellos. Un hospital, el Dar al Shifa, en el que solo tres de sus nueve pisos estaban utilizables y en la planta baja, una pequeña habitación al lado de la entrada como depósito de cadáveres. Allí, dos cuerpos inertes, uno de ellos sin cabeza, permanecían olvidados. Nadie había podido identificarlos. Después de varios días fueron cargados en la parte trasera de una vieja furgoneta de reparto de fruta para llevarlos al cementerio. Maysun (España, 1980) y un colega subieron a aquella furgoneta. Este es el inicio de la historia de una de las fotos que la fotorreportera hizo en aquel cementerio el 13 de octubre de 2012. Esa imagen, la que abre este artículo, es solo una de una serie que Maysun envió a la EPA (European Pressphoto Agency) durante su cobertura de la guerra de Siria en uno de sus primeros viajes al conflicto, en 2012. Ahora, también forma parte de la exposición En primera línea. Fotorreporteras en zonas de guerra que la Fondazione Torino Musei ha organizado en el Palacio Madama de Turín (Italia) y que es una apuesta por exhibir el trabajo de la mujer en la Historia, no solo como creadora, sino como protagonista.

Hasta el próximo 16 de enero, el trabajo de Maysun estará dentro de esa residencia real, y la fotógrafa ha elegido esta, la del hombre que sujeta una linterna sobre un cadáver, para desnudar lo que hay detrás: “Una de las fotos de aquella serie fue muy publicada, llegando a ser portada de The New York Times. Esta otra pasó un poco más inadvertida, y creo que merece ser mostrada un poco más”.

¿Qué pasó después de subirse a aquella furgoneta?

“Apenas había luz. No había nadie para enterrarlos, por lo que dejaron los cuerpos en el suelo, cubiertos con una manta. En el camino de vuelta a la carretera, Ahmad, un combatiente del Ejército Libre Sirio (ELS, comúnmente conocido por sus siglas en inglés, FSA), no podía dejar de decirme: “Ya haram! Ya haram! (¡Esto es pecado!) ¡Debemos enterrarlos! ¡Los perros se los comerán!

Volvimos al cementerio al caer la noche tras haber parado y convencido a varias personas para que nos ayudasen a enterrarlos. Al tratar de enterrarlos en una fosa común, un avión pasó varias veces sobre nosotros. Tuvimos que apagar todas las luces, una linterna y el brillo de nuestros teléfonos móviles. Les enterraron tan pronto como pudieron, deprisa, sin nombres, ceremonias o luto.

Sentí tristeza, acallada por el miedo y la excitación de poder vivir un momento importante desde el punto de vista periodístico. Tristeza por las personas que estaban siendo enterradas sin identidad, sin familia que supiera qué había sido de ellas. Tristeza por la absoluta violencia que los sirios tienen que soportar a diario, no solo física, sino mental, por la falta de normalidad en cada uno de los momentos que viven a diario. ¿Qué vendedor de fruta, carpintero, agricultor o abogado querría ser parado en medio de la carretera para enterrar a oscuras en una fosa común a dos cadáveres sin identificar, uno de ellos sin cabeza? La guerra no tiene sentido, pensé. Lo sigo pensando.

FUENTE: http://elpais.com/elpais/2017/01/06/mujeres/1483715672_850072.html

NOTICIA DEL MARTES 17/01/2017

Cuando ellas capturan la guerra

Hay una silueta de tanque que recorta una noche cerrada incandescente por las llamas, un cañón todavía humeante sujeto por un hombre que corre en medio de un fuego cruzado, un soldado que acecha, un soldado que espera sujetando un rifle a través de un agujero en la pared de una casa medio en ruinas, un soldado muerto, una estepa helada sembrada de restos de un avión, una niña que pulveriza algún líquido sobre un reguero de sangre en el suelo. Hay muerte, huida, destrucción, humo, ruinas, pobreza, enfermedad.

Hay dolor en todas y cada una de las 70 fotografías que componen la muestra En primera línea. Fotorreporteras en zonas de guerra, cinco por cada una de las 14 fotógrafas, en color o en blanco y negro, en digital o analógico, descarnadas y directas, como la realidad que exponen y a la que se exponen en lugares como Afganistán, Siria, Líbano, Ucrania, cruzando fronteras, pisando las cenizas de hogares quemados y en medio de campos de refugiados.

La exposición, hasta el 16 de enero en el Palacio Madama de Turín es parte de la apuesta de la Fondazione Torino Musei. Patrizia Asproni (Nuoro, Italia, 1959), presidenta de la fundación hasta el pasado octubre, explica que cuando llegó al cargo pensó que el Palacio era un lugar perfecto para exhibir el trabajo de las mujeres: “No obstante, fue una residencia real establecida por Cristina de Francia, duquesa de Saboya”. Desde hace unos años, en ese complejo declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, se han estado dedicando exposiciones no solo al trabajo de mujeres, sino a las mujeres como protagonistas en el arte, como Women of Vision, en colaboración con National Geographic o Eve Arnold y Marilyn Monroe, en junio de 2015. “De modo que lo que las mujeres habían hecho a lo largo de los siglos podría haber sido salvado por la damnatio memoriae (condena de la memoria) que a menudo acompaña a la creatividad femenina”.

FUENTE: http://elpais.com/elpais/2017/01/05/mujeres/1483630037_562347.html

NOTICIA DEL LUNES 16/01/2017

¿Qué foto hecha por Kate Middleton te gusta más? Vota aquí

La afición de la duquesa de Cambridge por la fotografía la ha llevado a ser nombrada miembro honorífico de la Royal Photographic Society, una asociación que promueve la fotografía en el Reino Unido.

Con su cámara, Kate Middleton ha captado los momentos más tiernos de sus hijos, como la foto que compartió del príncipe Jorge dándole un beso a su hermana, Carlota. O la instantánea de la pequeña sonriendo con un peluche y, más recientemente capturó el primer día de clases del tercero en la línea de sucesión al trono británico. Fueron justamente estas imágenes las que le permitieron entrar en este selecto club.

No resulta extraño que la esposa del príncipe Guillermo de Inglaterra tenga tanto interés en el mundo de la fotografía, pues el arte es algo que siempre le ha interesado. Estudió Historia del Arte en la Universidad de Saint Andrews, en Escocia. Las sesiones de fotos que Kate ha hecho de sus hijos la convierten en la primera miembro de la familia real en hacer fotografías oficiales de la casa real británica.

FUENTE: http://elpais.com/elpais/2017/01/04/estilo/1483548737_202255.html

NOTICIA DEL SABADO 14/01/2014

Cuando el escritor es el paisaje

Hay un fotógrafo, hay una cámara, hay un paisaje. Ese paisaje es un rostro. El rostro austero, de ojos de fiebre, de un señor llamado Samuel que ha escrito, entre otras cosas, algo llamado Esperando a Godot. O el rostro de bigote casi cómico de un señor llamado James que ha escrito, entre otras cosas, algo llamado Finnegans Wake. O el rostro estepario de una mujer llamada Virginia que ha escrito, entre otras cosas, algo llamado Las olas. Hay un fotógrafo, hay una cámara, hay un rostro. Sólo que no es cualquier rostro, sino un rostro que estaba ahí cuando ese hombre o esa mujer escribieron Mientras agonizo o Cien años de soledad o Matar a un ruiseñor. Un rostro que fue testigo. Hay una cámara, hay un rostro, hay un fotógrafo que espera el instante preciso para disparar y lograr… ¿qué? ¿La imagen definitiva de Beckett, Neruda, Woolf? ¿Una figurita más para su colección, una extraña forma del autógrafo? En el siglo XIX, el francés Gaspard-Félix Tournachon (Nadar) les puso rostro a través de la fotografía a Victor Hugo, Baudelaire, Alejandro Dumas. Desde entonces, muchos fotógrafos han dedicado parte de su obra al retrato de escritores. Pero si el atelier de un artista plástico es una cornucopia de situaciones visuales excitantes, si un actor es un cheque en blanco de histrionismo, ¿qué interés pueden despertar los escritores cuya actividad consiste en permanecer inmóviles rodeados de una escenografía que, con excepciones, recuerda a la de los programas de cable de bajo presupuesto: diversas combinaciones de biblioteca-silla-escritorio y, si hay suerte, un gato? Es un día de noviembre de 2016 y el fotógrafo chileno Luis Poirot está tenso.

—Tengo que ir mañana a fotografiar al poeta Claudio Bertoni. Y ya estoy nervioso. Esto es como una cita a ciegas. ¿Qué va a pasar ahí? La foto es un pretexto para tener una conversación con los escritores que me interesan. A veces hablamos dos horas y hacemos la foto en 15 minutos.

De chico, Poirot era un lector ávido, estudiaba teatro y, durante los ensayos, comenzó a tomar fotos de sus compañeros. Un día, la editorial Zig-Zag le pidió retratos de escritores chilenos para las portadas de sus libros y allá fue, sin mucha idea. Lo que empezó siendo un trabajo alimenticio se transformó en un plan: a sus 75 años, tiene un archivo que incluye a Nicanor Parra, José Donoso, Pedro Lemebel, Pablo Neruda, entre muchísimos. Sus fotos son planos secos, en blanco y negro y en papel, y él las trae al mundo en un parto lento y analógico, repleto de líquido revelador, bandejas, luz roja, ácidos.

—En el retrato fui dejando de lado el entorno. Me concentro en el paisaje del rostro. El retrato está en los ojos. En el brillo que es muy efímero y a veces aparece y muchas veces no. A José Donoso lo fui fotografiando hasta el final, que estaba muy enfermo. Llegó al taller. Se sentó en un taburete y empezamos a hacer las fotos. Se quedaba dormido, yo le gritaba: “¡Pepe!”. En un momento le dije: “Pepe, sácate los anteojos”. Me dijo: “No, yo soy con anteojos”. Y le dije: “No. Sácatelos”. Y se sacó los anteojos y apareció el rostro terrible de la proximidad con la muerte. Apareció la mitad angelical que era él y la otra mitad del hijo de puta que también era él. Y saqué esa foto. La odió. Prohibió que se publicara. Pero su hija Pilar le dijo: “Es el mejor retrato que te hayan hecho”.

Hoy todo el mundo tiene un rostro a dos clics de distancia. Pero cuando en la primera mitad del siglo XX nadie lo tenía, cuando James Joyce era casi solamente un nombre, como lo eran Sartre o Jean Cocteau, Gisèle ­Freund le puso rostro a la intelectualidad europea: Joyce, Valèry, Breton. Todo empezó por azar, con una nota que le envió André Malraux, cuyo libro La condición humana iba a reimprimirse. El necesitaba fotos y ella le pidió que fuera a su casa. “Me sentía incómoda”, escribe Freund. “(…) Uno de los grandes escritores de la época estaba frente a mí, y mi fotografía tenía que mostrar su rostro al mundo entero”. Malraux salió a la terraza, encendió un cigarrillo. Freund escribió: “Si pudiera (…) fijar uno de sus gestos más significativos, llegaría a expresar mejor al hombre que cualquier imagen de sus rasgos”. ¿Cómo se puede estar atenta a los detalles técnicos cuando lo que importa es abducir la esencia del otro y transformarla en una foto que, si todo sale bien, arrastrará la imagen del escritor a través de los siglos? Entonces Freund tuvo una idea: le preguntó si él creía que la fotografía era un arte y Malraux empezó a teorizar. “Había conseguido desviar su atención del aparato y fue así como pude sorprenderle natural. (…) Con los años llegaría a elaborar una técnica para forzar a mi modelo a hablar de cosas que le preocuparan, con el único objetivo de hacer que se olvidara del aparato”. Lo que había empezado por azar terminó en una hidra de rostros que ella expandió usando, como mecanismo de convicción, su propio trabajo: mostrándolo a los autores, generando en ellos el deseo de estar en ese círculo áulico de elegidos. Para que James Joyce le permitiera retratarlo, Freund acarreó hasta su casa un proyector, una pantalla y una caja con fotos. Estuvo más de una hora proyectando rostros de autores hasta lograr el santo grial, la frase: “¿Cuándo quiere fotografiarme?”.

FUENTE: http://cultura.elpais.com/cultura/2016/12/29/babelia/1483035898_874075.html

NOTICIA DEL VIERNES 13/01/2017

La fotografía que cambió la vida de Elton John

Encima de la cama de Elton John, cuelga una de las imágenes más evocadoras del siglo XX: Noire & Blanche, realizada por Man Ray en 1926 donde dos rostros parecen compartir el mismo sueño. El sueño, la magia y el misterio de una época que desdeñaba a través de su arte cualquier límite impuesto a la imaginación. La fotografía desbrozaba entonces su camino como arte, y lejos de conformarse con ser una mera reproducción de la realidad, renovaba el léxico visual sin dejarse intimidar por las limitaciones del ojo humano.

La imagen forma parte de la colección de fotografía que el célebre músico ha ido atesorando con pasión hasta llegar a ser una de las colecciones privadas más importantes del mundo. Parte de ella se exhibe en la Tate Modern, bajo el título The Radical Eye: Modernist Photography from the Sir Elton John Collection, donde 191 imágenes ofrecen una magnífica oportunidad para comprobar el alcance de los distintos enfoques de la fotografía modernista- en un lapso de tiempo que va desde los años veinte hasta los cincuenta- y también deleitarse con su deslumbrante talante renovador. “La fotografía me ha dado tanto placer que no puedo pensar en ninguna otra cosa, aparte de la música, que me produzca tal cantidad de gozo artísticamente”, confiesa el artista en una entrevista con Jane Jackson, directora de la colección, que se reproduce en el catálogo que acompaña a la exposición. El cantante británico comenzó su colección en 1990. Hacía dos años que había subastado su colección de objetos art déco y art nouveau en Sotheby´s y se encontraba recién salido de una cura de desintoxicación de las drogas y el alcohol. “Hasta entonces nunca me había fijado en la fotografía como una expresión artística a pesar de que durante años fui retratado por muchos fotógrafos maravillosos, incluyendo a Norman Parkinson, Terry O’Neill y David Bailey. Poder contemplar el lado artístico del medio era algo distinto”, señala Elton John. Comenzó adquiriendo doce fotografías realizadas por Herb Ritts, Irving Penn y Horst P. Horst, y desde entonces no ha dejado pasar una semana en la que no compre alguna imagen. Así, compró una casa en Brickwood, Atlanta, de casi 6000 metros cuadrados para poder forrar sus paredes con las obras que quería que enriquecieran su día a día. “La fotografía se convirtió en una increíble compañía. Iba de la mano de mi sobriedad”, apunta el artista.

“Odio el arte trofeo. Compro lo que me gusta y si no está de moda, no me importa”, destaca John, cuya fortuna está estimada en 257 millones de euros. ”Muchos coleccionistas se asesoran antes de comprar, y compran como inversión, pero para mí la fotografía es un camino de descubrimiento”. Camino que desvela esta extraordinaria exposición a través de obras procedentes de los postulados teóricos de la Bauhaus, del surrealismo parisino, o de los grandes pioneros de la fotografía documental en Estados Unidos o Latino América. Obras que ensancharon los límites de medio y cambiaron nuestra manera de percibir el mundo. Las firmas de André Kertész, Berenice Abbot, Edward Steichen, o Edward Weston, Tina Modotti o Dorothea Lange, por citar algunos de los más conocidos, y otros no menos interesantes pero menos conocidos como Werner Mantz, Emmanuel Sougez, o Paul Outerbridge, dejan constancia de la relevancia del conjunto. Pero la muestra es solo la punta del iceberg de una colección que ya se acerca a las 8000 obras.

FUENTE: http://cultura.elpais.com/cultura/2016/12/08/babelia/1481206033_931668.html

NOTICIA DEL JUEVES 12/01/2017

Un libro de fotografías recobra la memoria de la Valencia republicana

El hemiciclo del Ayuntamiento de Valencia ha sido testigo de la presentación de València republicana. Societat i cultura, coordinado por Salvador Calabuig, una obra editada por la administración municipal que ilustra con más de 300 fotografías de archivos públicos y privados la vida de la ciudad durante los años de la República.

Como ha señalado la edil de Cultura, Glòria Tello, una joya visual que recorre la vida cotidiana, cultural y política en la Valencia de los años 30. Un libro de imágenes que recupera de forma gráfica la memoria de un tiempo de transformación urbana y efervescencia cultural, política y económica. Un tiempo en el que durante 11 meses Valencia fue capital de la República. "Es un homenaje a las valencianas y valencianos de aquella época, cuyas ilusiones y vida va a poder compartir el lector a través de las imágenes que muestra", ha manifestado Tello.

El alcalde, Joan Ribó, ha indicado que se trata de un trabajo que refleja en fotografías cómo era Valencia, "una ciudad muy activa y volcada con la República". "Una obra que es un verdadero retrato de época; social, urbanístico y político; un retrato lúdico, festivo y costumbrista de aquella Valencia que pasó y que ya hace ocho décadas que se convirtió en la capital de un Estado convulsionado por la guerra", ha resaltado.

Ribó, que ha recordado a grandes fotoperiodistas valencianos como Lázaro Bayarri, Finezas, Luis Vidal y Barberá Massip, ha afirmado que València republicana. Societat i cultura, "llena de rostros, de momentos cotidianos, festivos y emblemáticos, unos años cubiertos posteriormente por el manto de silencio que impuso la dictadura".

El coordinador del libro ha resaltado el papel de la fotografía para devolvernos el recuerdo y la memoria. "Una fotografía nunca es imparcial, opta y enmarca, capta un instante y marca un momento, a la vez que permite conservar cosas que nunca volveremos a ver", ha explicado Calabuig.

FUENTE: http://ccaa.elpais.com/ccaa/2016/12/12/valencia/1481573627_817745.html

NOTICIA DEL MIERCOLES 11/01/2017

El arte de atrapar ciudades con una lata

El coliseo romano cabe en una lata de café, las dos torres de Bolonia en una de té pequeña y toda la playa de Benidorm en una de galletas danesas. No son recuerdos de cada ciudad, son fotografías que han ido haciendo a lo largo de 10 años Marinela Forcadell y Lola Barcia, las fotolateras, un tándem que se hace llamar así porque viaja por el mundo captando urbes con 45 cámaras de foto construidas a partir de latas metálicas. En 60 segundos de luz (Ediciones Canibaal), las artistas valencianas presentan una recopilación de imágenes, anécdotas y todos los secretos de su técnica, la estenopeica.

El estenopo —un pequeño agujero que se hace en este caso en la lata y que permite el paso de la luz que forma la imagen— es el principio de este tipo de fotografía. Lo primero que se debe construir es la cámara, que se puede hacer también con una caja de cartón o de madera, se pinta de negro por dentro y se hace el orificio. “Nosotras nos hemos especializado en el mundo de la lata porque al cambiar de formato de lata lo que hacemos es cambiar de lente”, dice Marinela. Después de esto se pone papel fotosensible dentro de la lata, se tapa con cinta el estenopo y se destapa en un lugar luminoso para que se “cocine” la imagen. “Es todo como una receta antigua, son muchos procesos”.

Todo este procedimiento que lleva hacer una imagen estenopeica la vuelve en una técnica muy tranquila, hasta un poco “lenta”. Por lo que el título de 60 segundos de luz, además de ser el tiempo medio de exposición de sus fotos, es una forma para reflejar el paso del tiempo. En una época en la que se publican más de 3,600 imágenes por segundo en Instagram, lo que más atrae a Marinela y Lola es la tranquilidad con la que se debe realizar cada una de sus fotografías. “No es un disparo, es el paso del tiempo lo que cocina la foto. No nos gusta el verbo disparar, decimos vamos a cocinar, porque es más parecido a ese verbo”, señala Lola. Los lugares más concurridos de ciudades como Nueva York, Pekín, Londres, Valencia, Berlín, Madrid, Marrakech, aparecen desiertos en sus fotografías. La acelerada vida en estas urbes impide que las personas se queden inmóviles un minuto para aparecer en ellas. “Llegan hordas de turistas, se toman fotos y se van. Parece que todas las plazas las hayan vaciado para nosotras”, cuenta Lola entre risas.

FUENTE: http://cultura.elpais.com/cultura/2016/12/20/actualidad/1482266452_926984.html

NOTICIA DEL MARTES 10/01/2017

La memoria es una fotografía

¿Qué es ver?, fue una pregunta fundacional en la carrera del fotógrafo marroquí Amine Oulmakki (Rabat, 1986). Semejante cuestión se disparó mientras estudiaba cine en la Universidad de Rabat, pero seguía yendo asiduamente a Meknés, a visitar a la mujer que lo había criado, su bisabuela, y que acababa de quedarse ciega. A ella le dedicó la reflexión que siguió a la pregunta, y su primera obra, que le llevó seis años. Son unos primerísimos primeros planos, llenos de emoción, de una mujer que vivió 100 años. En blanco y negro, fortísimos contrastes narran los últimos momentos de esa vida o de cómo el rostro humano sigue captando luz y reflejándola, aun mientras se apaga. Oulmakki sonríe de esa aceptación tan natural que él ha desarrollado frente a los sucesos de la vida, que incluyen la muerte. La muerte de la abuela de su madre, la primera protagonista de su obra, puso punto final a aquella serie de retratos en blanco y negro. Hace unos meses, otro deceso importante, el del realizador iraní Abbas Kiarostami, lo dejó a mitad de una tarea de aprendizaje, como discípulo, en el marco de un seminario de formación que quedó trunco. Eso fue, y no hace falta reemplazar a nadie por nadie. Hasta allí llegó la experiencia.

“En la fotografía escribimos con la luz”, sostiene Amine. La caligrafía lumínica de su obra es precisa, detallista, con el cuidado y la paciencia de quien está convencido de que de ese instante puede nacer la vida (y el movimiento al que no asistiremos). Presten atención, sino, a las obras que componen la serie actual Interior-noche (que se ha mostrado este año en Camerún y actualmente, cuelgan en gran formato en la galería Photoloft de Tánger): son escenas de una teatralidad apabullante, que incluso podrían ser un fotograma.

Oulmakki cuenta que andaba perdido entre el cine y el videoarte, y entre una localización de cine y preparando escenarios, se detuvo y vio que allí moraba la fotografía, justo en ese tiempo-espacio entre la puesta en escena y la ‘acción’. De hecho, así sucede cuando Oulmakki concibe una serie: trabaja como si fuera a rodar una película, pero llega solo hasta ese instante en que el obturador se cierra. La película la desarrollará el espectador, y cada uno la suya.

“Es que la memoria no es en movimiento. La memoria es una foto. Luego esa foto nos empieza a contar historias”, afirma Amine. De ahí que la idea de Interior-noche surgiera en una residencia parisina de la Cité International des Arts : “París no me decía nada, no me tocaba, pero vino la evocación”. Como siempre que uno está lejos.

FUENTE: http://elpais.com/elpais/2016/12/16/africa_no_es_un_pais/1481891906_851207.html

NOTICIA DEL LUNES 09/01/2017

El paseante de Vancouver, Fred Herzog

Bajo el resplandor de los neones de Granville Street, Fred Herzog (Stuttgart, Alemania, 1930) sujetaba su cámara con firmeza. Pacientemente escudriñaba cada detalle, cada movimiento de aquellos lugares a donde incansablemente acudía, buscando penetrar en la epidermis de la que se había convertido en su ciudad; Vancouver. Desde comienzos de los años cincuenta y durante más de cinco décadas, el fotógrafo buscó en sus calles la 'quebradiza objetividad literaria', que había admirado en la prosa de Flaubert, o en Manhattan Transfer de John Dos Passos: el retrato cambiante y heterogéneo del ir y venir de la ciudad moderna, rico en matices humanos y paisajísticos. Lo hizo a través de su cámara y en color.

Se sentía atraído por la desordenada coreografía de la calle y el impredecible ritmo que marcaba el azar. Sin embargo, huía del 'momento decisivo' que predominaba en las fotografías que se reproducían en las revistas ilustradas. Más tendente a una pausada observación, le gustaba trabajar con película Kodachrome para diapositivas. A cambio de un mayor tiempo de exposición, podía reproducir la realidad tal como era; en color. Por aquel entonces, solamente Helen Levitt y Saul Leiter habían osado retratar la calle utilizando película de color (denostado por la comunidad artística y asociado a la publicidad y las reproducciones en masa). Levitt utilizó el color de forma accidental, sin incorporarlo al carácter de la imagen. Para Leiter se convertiría en un fin, utilizándolo de una forma más lírica y sentimental que como lo haría Herzog. La obra personal de Leiter, al igual que ocurrió con la de Herzog, pasó desapercibida durante décadas. Hubo que esperar al 2006, para que la publicación de Early colours, (por la editorial Steidl) le otorgase el reconocimiento internacional del que disfruta en la actualidad y hubiese mereció en vida. De esta suerte, es otra editorial alemana, Hatje Cantz, la que hace justicia a la prácticamente desconocida obra de Fred Herzog, reuniendo más de 230 imágenes inéditas en un monográfico, Fred Herzog, Modern Color.

FUENTE: http://cultura.elpais.com/cultura/2017/01/12/babelia/1484224784_516893.html

NOTICIA DEL SABADO 07/01/2017

Nacha Pop: tantas décimas de segundo

“Supo ver la chispa antes de la detonación”: así juzga hoy Nacho García Vega el largo viaje de Sandra Bensadón a bordo de su cámara de fotos entre 1977 y 2008, pensando primero y disparando después —y seguro que viceversa— en lo que supone una de las mayores persecuciones de la historia del pop: una fan, una amiga, una fotógrafa persiguiendo primero a una pandilla de chavales, luego a unos músicos ilusionados, finalmente a unas estrellas. Sandra Bensadón persiguiendo en fotos a los Nacha Pop.

Tanto tiempo después, tantas luces y tantas sombras después, el viaje toma cuerpo en forma de libro, No, no me olvido (Chelsea Ediciones), título/confesión de la groupie que se convirtió en testigo de un tiempo: el del arranque de las ilusiones tras tanta oscuridad, primero; el de la Nueva Ola y la Movida, después; el de los éxitos, el de los fracasos; el de la vida y el de la muerte. 1977-2008: tantas décimas de segundo…

Antonio Vega, Nacho García Vega, Carlos Brooking, Ñete en aquel sótano de Serrano, primer local de ensayo gracias a la generosidad de la abuela rica de un amigo del Liceo Francés, aquellas sesiones promocionales, interminables y setenteras en Las Matas y Prado del Rey, los Nacha en el césped del Manzanares, los Nacha en Rock-Ola, y en El Sol, los primeros Nacha… el fulgor de las noches del Penta, el sudor de los últimos conciertos en Madrid. La chica de ayer estaba siempre ahí, persiguiendo la misión imposible que consiste en ver todo y no ser vista, en no molestar y a la vez captar la esencia, y para llegar a la esencia hay que trabajar, no solo saber ver, y queda claro que en No, no me olvido no solo hay pasión y visión… también mucho trabajo.

“Mi afición por la fotografía comenzó con ellos, paró con ellos y se reactivó con ellos”, confiesa la autora, subida en la montaña rusa de los Nacha, y ahí sigue.

FUENTE: http://cultura.elpais.com/cultura/2017/01/13/actualidad/1484321056_833442.html

NOTICIA DEL VIERNES 06/01/2017

Descubierta una foto inédita de Frédéric Chopin

Una fotografía inédita de Frédéric Chopin supone, para el mundo del piano clásico, una sorpresa mayúscula, emocionante. Se ha descubierto en casa de un particular y el hallazgo se debe a un conocedor de la figura del compositor polaco, M. Alain Kohler, un físico suizo. Junto con Gilles Bencimon, de Radio France Internationale y músico entusiasta, ha llevado a cabo una investigación de la que ambos han concluido que se trata de una reproducción fotográfica de un daguerrotipo, desconocido hasta ahora, del virtuoso del piano.

Realizado alrededor de 1847 en el estudio de Louis-Auguste Bisson, en París, ese fotograma sería el tercer retrato que se conoce del compositor. No es la primera vez que Alain Kohler tiene éxito indagando sobre Chopin. Ya hace dos años certificó que el piano de cola que conservaba en su casa un alemán, un Pleyel 11265, fue el que tuvo Chopin entre el invierno y la primavera de 1844 a 1845 en la plaza de Orleans, en París.

De los dos daguerrotipos originales de Chopin perdidos durante la Segunda Guerra Mundial, no se conoce, nada salvo reproducciones. Tomados entre 1840 y 1845, el primero es de una calidad mediocre. El segundo, realizado hacia 1847 y universalmente reconocido, muestra al pianista atormentado y demacrado por la enfermedad. También es del estudio de Bisson.

El origen del último descubrimiento ha sido un puro azar. Durante una reunión con una melómana con la que discutía en su salón, M. Kohler se percató del marco que pendía del muro con la imagen turbadora de un personaje, todavía joven, elegante pero de rostro sombrío. Kohler, muy familiarizado con los retratos y la iconografía del pianista, convenció al propietario de que le autorizara a hacer una copia del documento para estudiarlo. Tras contactar con especialistas de distintos lugares, Bencimon se ofreció para ayudarlo.

De las comparaciones con los otros retratos del compositor —fotografías, pinturas, dibujos, esculturas—, los análisis no dejan lugar a duda: el físico, la expresión, las proporciones y hasta la ropa indican que es Chopin.

FUENTE: http://cultura.elpais.com/cultura/2017/01/18/actualidad/1484746160_245628.html

NOTICIA DEL JUEVES 05/01/17

¿Parir o posar?

¿Le gustaría tener imágenes del nacimiento de sus hijos? No del instante después, cuando el bebé ya está vestido y limpio, sino del alumbramiento mismo. Puede recurrir para ello a la Asociación Internacional de Fotógrafos de Partos, surgida hace una década en Estados Unidos, y que presume de contar con cerca de 1.200 profesionales en unos 40 países -incluido España- dispuestos a inmortalizar uno de los acontecimientos más importantes de su vida. Se trata de expertos sujetos a un código deontológico estricto que respetan los deseos de los padres, y en su caso del centro médico, además de asegurar la confidencialidad y los derechos de autor. Esto último para evitar plagios. En Holanda y Bélgica, la moda de “captar estas emociones intensas” hace furor, y existe un grupo similar al americano. Denominado, simplemente, Fotógrafos de Partos (geboortefotografen, en neerlandés), nació en 2014, pero su despegue empieza a notarse ahora. Como sus colegas de ultramar, esperan aunar ética y calidad y han cerrado ya acuerdos con 21 hospitales holandeses, y otros 5 belgas.

Contratar un fotógrafo a título privado durante un parto a domicilio no es nuevo. Todo depende del pacto sellado con la pareja: si quieren recoger todo el proceso, o bien solo la llegada del bebé. Fuera de casa las cosas cambian. No todos los gerentes hospitalarios permiten la presencia de cámaras y trípodes. Mucho menos cuando se trata de meterlos en un quirófano en caso de cesárea. Para evitar desencuentros, la agrupación holandesa y belga, compuesta de mujeres por abrumadora mayoría, trata de conseguir que los centros médicos solo franqueen la entrada a sus miembros. De este modo, Geboortefotografen, que tiene una veintena de afiliados, ganaría prestigio y visibilidad evitando en lo posible el intrusismo de otros colegas sin experiencia. De fondo, late el prurito de “contar una de las historias más emotivas con respeto y buen gusto, garantizando la calidad y sin molestar o entorpecer el alumbramiento mismo”, según aseguran en su portal de Internet.

Como todas las modas, la de fotografiar el parto ha sufrido su propia evolución. Si al principio lo más osado era plasmar la barriga de la madre y al bebé sobre su pecho, tal vez con restos de sangre y unido al cordón umbilical, pero poco más, la cámara puede llegar a sumergirse ahora en piscinas adaptadas y ver al pequeño saliendo el vientre materno. Las cesáreas también se reproducen, desde ángulos inverosímiles y generalmente en blanco y negro. Las horas de dilatación previas al nacimiento, y los felices padres con sus hijos en brazos, completan unos álbum digitales - también hay servicio de DVD- cuyos precios rondan los 1.000 euros. La asociación holandesa y belga cuida a sus socios, pero 

no fija el importe de su trabajo.

FUENTE: http://internacional.elpais.com/internacional/2017/01/19/mundo_global/1484821189_491231.html

NOTICIA DEL MIERCOLES 04/01/17

¿Necesitas retocar una foto desde el móvil antes de compartirla? Prueba con estas ‘apps’

Cada día, a través de WhatsApp se comparten más de 1.600 millones de fotos y 250 millones de vídeos. Muchos de estos recursos son captados a través de la cámara integrada en la propia aplicación y que se envían tal cual, sin ningún tipo de edición. Sin embargo, en ocasiones el usuario necesita retocar las imágenes que acaba de tomar o cualquier otra almacenada en su móvil antes de enviarla, con el fin de corregir algún fallo o destacar aquello en lo que quiere que se fije el destinatario. En estos casos, es posible recurrir a diversas aplicaciones móviles disponibles tanto para iOS como para Android. Estas son algunas de ellas.

• ·         WhatsApp, cada vez más ‘todo en uno’

Consciente de las demandas de sus usuarios, la app de mensajería instantánea por antonomasia ha ido mejorando las funcionalidades de su cámara. Comenzó añadiendo dos herramientas básicas de retoque (Recortar y Rotar), pero el pasado octubre incorporó nuevas formas de personalizar las fotos y vídeos que se comparten a través de WhatsApp, así que ahora también es posible escribir o dibujar sobre las imágenes e incluso añadirles emojis (los emoticones usados en las conversaciones a través del móvil). Todo muy al estilo de Snapchat.

Basta con seleccionar desde WhatsApp la foto o el vídeo que se quiere enviar y en la parte superior de la pantalla aparecerán las herramientas de edición: la cara sonriente para añadir emojis, el botón con el típico símbolo para recortar, la “T” para escribir y el lápiz para dibujar. Eso sí, ahora ya no es posible rotar la imagen.

Las nuevas funciones de edición están disponibles para iOS y Android.

• ·         Aviary, el Photoshop de bolsillo

Algo debieron ver en Aviary los responsables de Photoshop cuando en 2014 compraron este editor de imágenes online, que cuenta con versiones para iOs y Android. Con un diseño muy sencillo, esta aplicación permite modificar fotografías captadas desde su cámara integrada o bien aquellas guardadas en la memoria del dispositivo. Además de todas las opciones de retoque de WhatsApp, incluida la incorporación de pegatinas digitales y texto, Aviary contempla todo tipo de efectos, filtros y capas para personalizar las imágenes, así como ajustar el brillo, el contraste, la exposición, la saturación… Es decir, posibilita un mayor control sobre el resultado final a través de opciones más propias de herramientas profesionales. Para estar siempre a la última, desde la app se da acceso a una Tienda de Complementos desde donde se pueden descargar paquetes con nuevos marcos, pegatinas y capas, muchos de ellos gratuitos.

Una vez retocada la foto, Aviary posibilita la opción de compartirla en Instagram, Facebook, WhatsApp y otras redes sociales, así como enviarla por correo electrónico, sin salir de la aplicación.

• ·         VSCO, el toque profesional

A diferencia de Aviary, para utilizar VSCO desde iOS o Android es necesario registrarse y validar una cuenta de usuario a través de un correo electrónico. Esta aplicación también permite editar fotos tomadas con la cámara que lleva integrada o bien aquellas ya almacenadas en el teléfono, aunque en este último caso el acceso a las imágenes no es tan rápido como en las anteriores apps y es necesario importar una a una aquellas que se quieren modificar.

En cuanto a las herramientas de retoque, son muy parecidas a las incorporadas en Aviary, de tal forma que las fotografías se editan a través de unos ajustes preestablecidos, con la posibilidad de graduar el brillo, el contraste, la saturación, el color… Eso sí, que nadie espere encontrarse herramientas para dibujar, añadir texto, agregar pegatinas o algo parecido, dado que VSCO está orientada a usuarios con un perfil más profesional. De hecho, se presenta como “una comunidad para la expresión” en la que se comparten las creaciones realizadas desde dispositivos móviles. Por esta misma razón, la aplicación incorpora una capa social al estilo de Facebook o Twitter con el fin de que los usuarios puedan seguirse entre sí e intercambiar sus respectivas obras. De todos modos, una vez retocadas las imágenes, también es posible compartirlas a través de WhatsApp o enviarlas por correo sin salir de VSCO.

• ·         Retrica, la preedición

Uno de los rasgos diferenciales de Retrica, con versiones tanto para iOS como para Android, es que ofrece la posibilidad de aplicar filtros y otros efectos antes de hacer una foto o grabar un vídeo, de tal modo que el usuario sólo debe elegir entre distintas opciones de edición y mirar a través de la cámara de su dispositivo para saber cómo quedará la imagen final. La última actualización integra más de 100 filtros que pueden utilizarse en tiempo real. Además, en el caso de los vídeos, una vez grabados basta con pulsar un botón para convertirlos en GIF animados, otro recurso que no para de ganar adeptos entre las redes sociales.

Esta app también dispone de la opción “Mis recuerdos”, una colección privada de todas las fotos y vídeos realizados con Retrica y que funciona como un disco duro virtual para tener copias de seguridad a las que se puede acceder desde cualquier dispositivo. De este modo, se ahorra espacio en la memoria del teléfono.

En cuanto a las imágenes que ya están guardadas en el móvil, Retrica permite retocar las fotografías a las que se accede directamente desde la aplicación, en el menú “Carrete”, por lo que también funciona como un álbum ordenado cronológicamente.

• ·         Facetune, el editor de ‘selfies’

Con un precio de 5,99 euros para iOS y 3,99 euros para Android, Facetune está especialmente orientada a retocar autorretratos, quizás el tipo de imágenes que más se comparten a través de mensajería instantánea y redes sociales, debido a la fiebre de los selfies.

En concreto, esta aplicación incorpora herramientas con las que es posible, entre otras cosas, corregir el efecto de los ojos rojos, blanquear los dientes, eliminar ojeras, borrar granos y manchas en la piel o cambiar la forma de las cejas. De igual modo, Facetune permite otros retoques generales como desenfocar o difuminar el fondo de la foto, añadir marcos y aplicar filtros al estilo de Instagram.

Se trata de una solución desarrollada por la compañía Lightricks, que también es responsable de Enlight, otra aplicación móvil para iOS con la que es posible retocar imágenes y hacer fotomontajes de manera sencilla desde teléfonos y tabletas de Apple.

NOTICIA DEL MARTES 03/01/2017

El Ayuntamiento digitaliza su archivo histórico de fotos aéreas

 El Ayuntamiento de Madrid ha comenzado este viernes su proyecto de digitalización completa del archivo municipal de fotografías obtenidas en vuelos fotogramétricos a lo largo de casi 90 años. Se trata de un patrimonio histórico de 50.000 negativos tomados en más de 130 vuelos que los ciudadanos podrán empezar a descargar y consultar a partir de 2017.

El proyecto, que cuenta con un presupuesto de 242.871 euros y que se desarrollará a lo largo de tres años, garantizará la conservación de la documentación y facilitará el acceso a este banco de imágenes a estudiosos, profesionales y ciudadanos en general, según destacó el Ayuntamiento en un comunicado.

Análogamente al nuevo mapa cartográfico de Madrid realizado a través de 7.666 fotografías que cubren toda la ciudad, este proyecto de digitalización del archivo de fotos aéreas se encuadra en el Plan Nacional de Ortofotografía Aérea Histórica, desarrollado en colaboración con la Comunidad de Madrid y con el Ministerio de Fomento.

El conjunto de este archivo está formado por negativos de gran calidad en blanco y negro hasta los años 90 del pasado siglo y en color a partir de 1999. Los vuelos más destacados son los acometidos en 1927, en la década de 1940 y el llamado vuelo americano, llevado a cabo por el ejército de Estados Unidos en 1954 y 1957. Este vuelo abarcó toda España y fue el primero que fotografió la totalidad de la ciudad de Madrid tras las anexiones de los municipios colindantes.

El proyecto ofrecerá la posibilidad de realizar análisis comparativos de la situación urbana en distintas épocas de la ciudad. Por otro lado, "la digitalización –realizada con escáneres fotogramétricos de alta resolución– y la georreferenciación para ubicar cada fotograma en su posición correcta, permitirá hacer consultas y estudios muy precisos mediante aplicaciones geográficas", subrayó el Consistorio. 

FUENTE: http://ccaa.elpais.com/ccaa/2016/08/19/madrid/1471628205_390460.html

NOTICIA DEL LUNES 02/01/2017

Previo a las mejores imágenes de acción y aventura. RED BULL ILLUME

La espera casi ha terminado para los 5.645 fotógrafos de todo el mundo que han participado en el concurso de fotografía de acción y deportes de aventura más grande. El 28 de septiembre, se dará a conocer el ganador absoluto, los ganadores de las once categorías y los 55 finalistas en una ceremonia espectacular dentro del Instituto de las Artes de Chicago.

El atleta Dennis Tondin en Riva Del Garda, Italia. La fotografía se incluye dentro de la categoría de 'Nueva Creatividad'.

En la categoría de 'Lifestyle' la deportista Chloe Mills durante una de sus prácticas de Wake Board en Yarrawonga, Australia.

El atleta Dominik Hernler practica wakeboard en Salzburgo, Austria. Categoría ' Masterpiece'.

Wanaka, Nueva Zelanda. Los deportistas de Slalom, Joe Clarke y Mike Dawson observan su lugar de entreno. Fotografía recogida dentro de la categoría 'Spirit'.

Rush Sturgis en Skamania County, Washington, Estados Unidos. Dentro de la categoría 'Energy'.

FUENTE: http://elpais.com/elpais/2016/08/05/album/1470402798_073268.html#1470402798_073268_1470402960

NOTICIA DEL SABADO 31/12/2016

'Red Bull Illume': El mayor concurso de fotografía deportiva

El periodo de participación comienza el 1 de diciembre y estará abierto hasta el 31 de marzo. El jurado seleccionará un total de 55 instantáneas finalistas en 11 categorías.

Los surfistas Keith Malloy y Dane Gudauskas en Unstad, en las Islas Lofot de Noruega, fue una de las fotografías finalistas en la Categoría Espíritu en 2013.

Una de las imágenes finalistas en la categoría Secuencia del Red Bull Illume 2013 muestra al surfista profesional brasileño Gabriel Medina Pinto capturado por el objetivo de Noyla.

La foto de Dan Vojtech del ciclista de montaña Tomas Slavikes fue premiada en la terna finalista en la categoría Nueva Creatividad de 2013.

 Morgan Maassen, ganador ese mismo de la categoría Lifestyle By Leica también ha sido votado por atletas Red Bull como Elección de Atletas, por su foto debajo del agua de un grupo de surfistas charlando a la espera de las olas.

Fotografía ganadora de la categoría Iluminación del Red Bull Illume 2013. Travis Rice es un snowboarder profesional americano. Se lo considera uno de los 20 más importantes snowboardes de los últimas dos décadas. La imagen está tomada en las montañas Tordrillo, en Alaska.

 La edición de 2016 del mayor concurso de fotografía deportiva abre este martes 1 de diciembre su período de participación hasta el próximo 31 de marzo. El jurado seleccionará un total de 55 instantáneas finalistas en 11 categorías. Lorenz Holder se proclamó en la última edición, en 2013, como el fotógrafo capaz de captar el mejor momento de acción deportiva del mundo. Su imagen del 'snowboarder' Xaver Hoffmann junto a una gigantesca antena de telecomunicaciones fue seleccionada como la mejor foto entre más de 28.000 presentadas, y le convirtió en el ganador del Red Bull Illume. Holder busca ahora sucesor.

FUENTE: http://elpais.com/elpais/2015/11/20/album/1448013955_053733.html#1448013955_053733_1448019104